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天地间，舍我其谁？|安尼施·卡普尔

2023-05-20 来源:飞速影视

原创 MKmomo 目刻时光收录于合集#混沌 1 个 #艺术家 113 个 #艺术史 65 个 #展览 9 个 #故事 2 个

编辑：目刻时光
有两类混沌：万物之初的混沌，和万物毁灭的混沌；起源的混沌和终结的混沌。前者是初生的晴朗宇宙，是世界的无辜开端，是一个婴儿般的单纯和无辜。这样的混沌是黎明前的薄薄雾霭。后者是高度成熟之后的发酵，是过度搅拌式的大杂烩，是腐朽的累积和堆砌，是黄昏降临后的蒙蒙黑暗。
——摘自汪民安《感官技术》
“绘画”意味着什么？卡普尔的整体创作与绘画史有着何种关系？我们如何从宏观的角度来理解这些作品的意义？
在这个刚结束的展览里，每个观者都会得到自己的答案。

“安尼施·卡普尔”
个展
里森画廊北京空间
2022年8月20日 – 10月30日
混沌初开，浩渺天地间，生命轮回；
乾坤乃定，云开见日明，有无相生。
天地间，舍我其谁。
卡普尔的一些大型雕塑作品中，他通过入口和通道、密集的空隙或色素堆积物，以及预示着某种超越的镜子唤起了我们的内心世界；
而“绘画”，则提供了一个了解他充满活力的日常艺术实践窗口，通过绘画的力量，引导我们突破雕塑和绘画之间的界限，探索身体的感知和体验，打开身心，与世界对话，获得力量以及超越现实的艺术感受——这种感受或许很难用言语描述，但会直抵深处，无法抗拒，历久弥新。
金秋十月，安尼施·卡普尔(Anish Kapoor)的最新个展，里森画廊北京空间，已结束。

▲Anish Kapoor © Anish Kapoor. Courtesy Lisson Gallery. Photography by George Darrell
安尼施·卡普尔 (Anish Kapoor) 的九件绘画和三件雕塑为里森画廊的北京全新永久空间揭幕。本次展览是卡普尔在里森中国的首次个展，标志着他再度回归中国，此前在2019年，他曾于中央美术学院美术馆及太庙美术馆两处同时推出他在中国的首次美术馆个展。卡普尔的画作在中国的首次亮相为观众提供了一种全新的角度赏析艺术家的毕生之作，同时也体现了他的艺术实践一直在不断发展，并通过这些作品对他关注的主题展开全新的探索。
虽然卡普尔近期才开始公开展出绘画作品 (2021年他曾在英国牛津现代艺术博物馆呈现绘画个展)，但他的绘画实践已经持续了几十年之久。卡普尔自称为一位“创作雕塑的画家”，以此强调他与绘画媒介之间紧密的连接。卡普尔的画作并非是对他享誉全球的《Void》系列和镜面系列的背离，而是对他艺术实践的延伸。这些绘画作品将艺术家对于空间中的物体的兴趣展露无遗，同时致力于表达他对于未知事物的洞察和思考。如同人体脏器一样的作品浓烈且厚重，揭露了艺术家创作中暗藏的祭仪特质。悬挂在墙上的每一幅画作都超越了其物理深度，向墙内更深的世界蔓延，令观众得以窥探到人类精神与肉体的内在运作模式。（节选自里森画廊新闻稿）
展览现场回顾：

▲ 安尼施·卡普尔个展现场图，里森画廊，北京，2022年8月20日至10月30日©安尼施·卡普尔。图片由里森画廊提供，由杨灏拍摄

天地，红黑白
Keywords：
探索对话虚空有无
红，是血液是生命的原初还是激情？
黑，是深邃是虚空还是无限？
白，是代表光吗？
感受在每个观者的心里。
如，有个观者说：“看到红色…卡普尔的世界在我的心里颤抖，仿佛提醒我，在久远的过去我内心深处曾拥有的东西，而今，是否还在。”
展出作品：

▲安尼施·卡普尔，《混沌》，2020，布面油画，213 x 274 厘米， ©安尼施·卡普尔，图片由里森画廊提供，由George Darrell拍摄

▲安尼施·卡普尔，《夜幕笼罩》，2021，布面油画，213 x 274 厘米， ©安尼施·卡普尔，图片由里森画廊提供，由George Darrell拍摄

▲03_安尼施·卡普尔，《噢母亲，再次诉说我的身世》，2021，布面油画，244 x 305厘米， ©安尼施·卡普尔，图片由里森画廊提供，由George Darrell拍摄

▲安尼施·卡普尔，《尘世》，2021，布面油画，244 x 183 厘米， ©安尼施·卡普尔，图片由里森画廊提供，由George Darrell拍摄

▲安尼施·卡普尔，《母体的黑》，2021，布面油画，244 x 549 厘米， ©安尼施·卡普尔，图片由里森画廊提供，由George Darrell拍摄
而卡普尔说:
“色彩是一种深刻的幻觉。”
“深空是我经常与之交谈的东西——颜色对深空的影响，是用语言无法描述的。”
“红色的有趣之处在于，它非常容易与黑色联系在一起。红色代表巨大的黑暗。当然，有人可能会说红色完全是内部的一种颜色。”
他的画作与雕塑并没有太大差别。自20世纪80年代以来，卡普尔一直用色彩来释放宇宙和内心——从早期作品中，他将原始颜料分散在小物体上；再然后，他用黑色颜料作画，暗得仿佛无限大。
“我认为我和颜色的一些关系必须是文化上的。这种喜欢红色的倾向一定有这样的原因。我想到毕加索和他与西班牙根源的关系，它们总是和他在一起。”事实上，当艺术家被问到，关于他的血淋淋的油画是如何反映自己的心理，而不是人类学时，卡普尔给出的答案是一个关于印度、流离失所和仪式的治愈力量的感人故事，源自他的成长，他的文化传承以及自我追求。
展出作品：

肉身，空间，自我
Keywords：
活力成为脆弱再造
空间——物体的空间、它所居住的空间、以及它所容纳的空间。
从他无与伦比的职业生涯开始，卡普尔就宣称:“我是一个像雕塑家一样工作的画家。”事实上，绘画并不是他雕塑作品之外的一个独立活动，而是他雕塑作品的核心。
在展厅里，它们排列在墙壁上：漆黑的裂口，破裂的大地溢出了燃烧的红色血腥。空间的打破意喻着种种可能。被剥落了外壳的肉体展示出了无所畏惧的肉身，开放抑或是献祭，成为原始仪式的一部分，唤起身体的内部，充满生命的血液，失去与再造共存。
通过展览，我们可以了解卡普尔如何看待共同的社会和生物起源的活力——尤其是对于成为、活着和过渡到死亡至关重要的红血。
展出的装置作品：

▲安尼施·卡普尔，《她懂》，2020，钢材、树脂、帆布、颜料，199 x 112 x 80 厘米， ©安尼施·卡普尔，图片由里森画廊提供，由George Darrell拍摄
从早期的矿物材质作品到著名的大型公共雕塑，对内部的探索——超越对象的边界，与画家处理画布表面时所面对的平面空间属性密切相关。这种虚幻空间的现象在卡普尔的雕塑中一次又一次地上演，它提出了一个新的空间——即：一个在内部熟悉度和潜在的无限中不可思议的空间。
在雕塑和绘画之间的界限探索，推向了本能的新领域，以比以往任何时候都更生动的形式继续着卡普尔对身体和自我的持续关注——这一主题在现今大流行病时代得到了更多共鸣，在这个特殊时期，身体的脆弱感已经成为一种公共体验。
“我热爱的艺术，我创作的艺术，我希望，在颂扬感性的同时，始终知道衰败即将来临”。——卡普尔说。
展览虽然已经结束，但我们即将在2022年上海西岸艺术与设计博览会上看到卡普尔的绘画作品。里森画廊展位A130。时间：2022年11月10日—13日。
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原标题：《天地间，舍我其谁？| 安尼施·卡普尔》

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