天王不是最被高估的，就是最被低估的，你怎么看？

黎明，1966年12月11日生于北京，歌手、演员、导演、公司老板、慈善事业工作者。1985年获得碧泉新星大赛冠军，并由此进入演艺圈。1989年为电视剧《回到唐山》唱主题曲《恕未从俗》，1990年发行首张专辑《LEON》。1993年获得劲歌金曲最受欢迎男歌手奖。1994年获劲歌金曲金奖。1995年获得十大劲歌金曲最受欢迎男歌手奖。1996年起连续三年获得劲歌金曲金曲金奖。演唱过《两个人的烟火》、《你让我忘》、《今夜你会不会来》、《看上她》等国语歌曲；《我这样爱你》、《情深说话未曾讲》、《全日爱》等粤语歌。1999年退出香港乐坛颁奖典礼。

关于黎明，有两种极端的评价：不是最被高估的天王，就是最被低估的天王。
持“高估论”者，最常见的理由是“唱功差，歌不红”，而“低估论”者通常又会反驳称“走音就那一次，歌不红是因为宝丽金把国语市场的资源都给了张学友”。
双方都有道理。作为四大天王之一的黎明，从来没有给人一种实力派的印象，他的声线虽然有自己的特色，但相貌给人的印象更突出一点，最关键的是，相比其他三位天王，黎明的国语代表作少之又少，造成了“歌不红”的局面——如果以《吻别》和《忘情水》为标准，黎明毫无疑问缺乏一首传唱一时的“国民金曲”，郭富城不需要“国民金曲”，因为大家都知道他跳舞跳的好，黎明呢？歌不红，舞不跳，就只剩一张脸了。

但是，黎明的粉丝有足够的理由给你怼回去：黎明的国语歌不红是因为宝丽金偏袒张学友，黎明在宝丽金时期发行的国语专辑从制作到宣发都很敷衍，转投索尼之后就很红啊，比如《全日爱》；黎明的歌在香港很红，“金曲金奖”（TVB颁发的“十大劲歌金曲”中的“金奖”，相当于“年度金曲”）是四大天王里唯一能跟张学友平起平坐的；说黎明没实力，可是人家在红馆连开26场演唱会，全部真唱……
“有心人”还可以找出更多的“理由”：黎明虽然不会跳舞，但他是名副其实的舞曲天王，他的《全日爱》曾经在21世纪前后“统治着”中国二三四线城市的发廊、迪厅、2元店、溜冰场和“劲舞团”。他的舞曲影响了整整一代中国人，其中包括中国最酷说唱厂牌的老板、“盯鞋至死”的上海独立摇滚乐队吉他手、热爱游走英伦的知名DJ和新音乐产业观察的创始人。（也就是本文作者;P）

实际上，观察音乐平台下黎明作品的留言，你会发现，有一个趋势是，大众正在重新认识黎明：电音先驱、低调有才、相见恨晚……等等，类似“原来黎明有那么多好歌”成为留言的“主旋律”，典型的一首歌是《情归于尽》；“重新认识”也带来了对传统唱片业时代作品的“新看法”，“黎明20年前的舞曲比《小苹果》强多了。”有唱片公司的朋友甚至直言，黎明当年的歌曲质量要高于现在的李宇春。（在此只是提供一种观点，并不想引战）
作为“四大天王”之一，黎明再怎么被低估，也是娱乐圈的既得利益者，没有有什么是需要被“证明”的。个人比较感兴趣的是这么三点：一，黎明身上，我们可以看到港乐从拼翻唱到拼原创的变化；二，借由黎明的助力，雷颂德上位，成为90年代至今香港最成功的音乐制作人，多位歌手的命运由此改变，比如杨千嬅、陈慧琳和卢巧音；三，20世纪末，由雷颂德和黎明联手开启的“港乐电音舞曲时代”，用短短两年时间，成就了香港流行文化最后的“癫狂”。
放眼1990年代初的大中华市场，1992年的“四大天王”里，真正具有影响力的是刘德华。依靠影视剧积累的人气，刘德华在1990-1991年间发行的国粤语专辑都有不俗的销量表现，其中《如果你是我的传说》、《一起走过的日子》、《我和我追逐的梦》和《来生缘》全亚洲销量破百万；张学友虽然在香港市场表现突出，但在大中华市场，1993年才凭借《吻别》红遍两岸三地，然后才成为“歌神”；主攻台湾市场的郭富城，获得飞碟唱片的力捧，国语唱片销量不俗，并成为最早露面春晚的“天王”，但在香港市场，郭富城1992年才算正式“入市”。

1992年的黎明可能是市场基础最弱的一位，却也是香港本土市场上位最快的一个。凭借《人在边缘》（1990）和《今生无悔》（1990年）两部大剧的“收视冠军”，黎明在香港和周边地区迅速打开市场，同期发行的歌曲也获得了各大颁奖礼认可。1990年，黎明获得”十大劲歌金曲“的最受欢迎新人奖金奖，隔年便有两首歌同时入围“十大”。1992年的十大劲歌金曲颁奖礼，黎明、张学友和刘德华各有两首歌曲入选，三个人占据了半壁江山，黎明由此与两位前辈平起平坐。
不过，黎明在1990年代初的金曲，翻唱的比例很高。1991-1992年，黎明四首入围“十大劲歌金曲”的作品，几乎全是翻唱。最夸张的是1993年的《夏日倾情》，这张专辑让黎明第一次获得“最受欢迎男歌星”，却有六首歌来自日本人的创作，加上翻唱自国语和英文的作品，整张专辑没有一首本土原创歌曲。（以作曲为标准）
“翻唱”在八十年末和九十年代初的香港乐坛是一个普遍现象。张学友早年的获奖歌曲《太阳星辰》和《只愿一生爱一人》都是“翻唱”。（《夕阳醉了》也不是本土创作）1992年的“十大中文金曲奖”入围歌曲，十首歌里有七首翻唱自日文歌。其中包括张学友的《暗恋你》和《还是觉得你最好》，刘德华的《长夜多浪漫》和黎明的《我的亲爱》和《但愿不只是朋友》。

翻唱盛行的原因，主要是因为“成本低”。陈淑芬接受采访时曾说，八十年代翻唱多的原因是，相对原创，翻唱的信价比要高很多，尤其对于一些新成立的资金有限的唱片公司来说，听好了买过来翻唱，能省不少钱。这个情况一直持续到九十年代初。那会儿，当红歌手一年发两三张专辑很常见。1993年，黎明发行了《夏日倾情》、《我的另一半》（精选）、《深秋的黎明》（国语）、《梦幻古堡》四张唱片，如此密集的发片，只有靠各种翻唱来支撑。而像宝丽金这样的国际级唱片公司，可以充分利用自己的全球曲库资源，降低制作成本。
我们可以把“翻唱”视为一种资本积累初期野蛮生长的方式，但这种野蛮生长的方式终于在1994年走到了头。
1994年是香港流行音乐的一个“分水岭”。1994年之前，翻唱扮演着重要的角色，1994年开始，原创抬头。
至少从四大天王的唱片看是这样：1993年，张学友的专辑《我与你》有一半是翻唱，包括主打歌《只想一生跟你走》。到1994年的《饿狼传说》开始，原创作品挑起了大梁；1993年，郭富城的专辑《没有你的爱》翻唱了四首日文歌，1994年初的专辑《狂野之城》也翻唱了三首日文歌，到1994年的《铁幕诱惑》专辑开始，日文歌翻唱基本绝迹，国语歌翻唱零星出现，原创作品成为绝对主力。
这个“变化”在黎明身上表现得尤其明显。1993年的专辑《夏日倾情》达到“翻唱极致”之后，1994年的《天地情缘》，原创的《那有一天不想你》成为主打，日文歌翻唱减少到了一首，原创作品增加到三首，其中有一首还是黎明作曲。（《晨曦》）

《天地情缘》无疑是黎明出道前五年质量最高的一张专辑。慢歌如《那有一天不想你》、《蓝色街灯》，快歌如《不醉舞夜》，都让歌迷如痴如醉。学院派出身的音乐人林慕德，编曲上很见功力，主打歌《那有一天不想你》器乐编排上丰富的层次感和纵深感，让黎明彻底“脱胎换骨”。这首本土原创作品横扫当年的各大颁奖礼，并获得“金曲金奖”，可算是黎明第一次在作品端获得肯定。
唱片公司和林慕德想“复制”《天地情缘》的成功，在1995年推出了“续篇”《天地豪情》，销量不如预期，却是黎明的专辑全面走向本土原创的开始，林慕德和C.Y.Kong各自包揽三首创作，谭咏麟、唐奕聪亦有贡献，翻唱作品减少到两首。
现在回过头来重温《天地豪情》，我们会发现，其实这张专辑创作和制作水平颇高，主要问题可能是，林慕德的制作虽然精良，但对于黎明来说有点“老派”和“沉重”，不太契合黎明的受众群。黎明的粉丝大多是青少年，对于这样的人群来说，可能需要更轻松、易接受和较时髦的作品，但这似乎又跟追求品质相悖。

话说回来，在那个年代，创作者好像还没有很好的办法来平衡时尚和品质的关系。1990年代初的香港主流音乐，创作套路相对单调，基本上可以分为情歌和劲歌，劲歌多以舞曲和轻摇滚为主，而且大多来自“翻唱”。
黎明的专辑给人的就是这样的“刻板印象”，主打歌一首慢歌，一首快歌，剩下的都是一些普通的流行歌曲，并没有什么特别之处。这让黎明的作品在四大天王里显得很不突出：张学友本来就唱的好，专辑从《饿狼传说》开始又有了比较大的飞跃；刘德华一直表现亲民，各种“国民金曲”不断；郭富城跳舞好，转投华纳之后，专辑曲风也更多元化，给人的印象很酷炫。
结果，对于黎明，大家的印象就只有“帅”了。
直到1996年的《Perhaps》之前，黎明给人的印象就是一个“墨守成规”的深情天王。
从《DNA出错》和《全日爱》这些作品可以听出，黎明骨子里不是一个墨守成规的人，但是在出道之后相当长的一段时间里，他并没有找准自己的“定位”，或者说是没有找到合适的“合作伙伴”。
改变他的是雷颂德。当然，也因为黎明想改变，才会找到雷颂德。
在《Perhaps》之前，雷颂德已经通过为郭富城制作的《纯真传说》证明过自己。这张1995年的“神作”中，雷颂德用电音、摇滚和说唱等把郭富城原来擅长的“港式舞曲”搅了个“天翻地覆”，却收获了TVB十大劲歌金曲最佳歌曲监制奖和叱咤乐坛作曲家CASH大奖等诸多奖项，《纯真传说》也获得了“叱咤乐坛大碟IFPI大奖”等的“肯定”。《纯真传说》的成功甚至让“郭式舞曲”后续竟然“无以为继”，转攻深情路线。（如《听风的歌》、《爱的呼唤》和《风里密码》）。

而且，与《纯真传说》一样，雷颂德又是首次跟“天王”合作就“大刀阔斧”：在雷颂德的操刀下，黎明一口气尝试了多种不同的曲风，摇滚如《微风之前(离别之后)》、迷幻如《色情男女》、清新如《或许…未必…不过》，全都“颠覆”了黎明以往给人留下的刻板印象。哪怕深情如《情深说话未曾讲》，也打破了传统的情歌套路，让当时市场为之一振。
“跟黎明第一次合作的时候，当时大家的想法就是一定要改变黎明原先给人的印象，所以大家做得都很辛苦。我记得当时录《情深说话未曾讲》的时候，我们花了很长时间，最后出来的效果非常好，所有人都大吃一惊。”雷颂德接受本人采访时曾这么说。

凭借“惊艳”的表现，《Perhaps》横扫当年的香港乐坛四大颁奖礼，成为1996年毋庸置疑的香港乐坛最佳专辑。《号外》杂志后来做十年回顾的专题，也把《Perhaps》选为1996年的唱片代表。
对于黎明来说，《Perhaps》最大的“价值”在于为黎明创造了多种新的可能性，让他跳脱了自己传统的“套路”，思路豁然开朗。
1996年发行的国语专辑《DNA出错》就是很好的例子。这张专辑除了曲风时尚多元（从舞曲到布鲁斯），主打歌是同性恋题材，还是黎明首次以性感的造型出现。
值得一提的是，这张专辑并不是雷颂德主刀，所以从某种程度上说，黎明团队意识到了“转型”的必要性：对于黎明来说，在“四大天王”竞争白恶化的当时，除了“帅”，还需要新的“卖点”来刺激唱片销量。而从黎明的转型选择看，他和他的团队似乎比较看好更国际化、更时髦、更前卫的路线。而这在当时的香港市场，也确实是一个“空白”。

据说为《DNA出错》填词的周耀辉曾问黎明，你知道我写的什么吗？黎明回复，知道。周耀辉又问，那你还唱？黎明又回，有什么关系？
张学友主打“唱功”，刘德华主打“亲民”，郭富城主打“跳舞”，黎明选择了“时尚”。1996年开始，“四大天王”的市场格局终于明确下来。（实际上，假如郭富城强化舞曲风格，原本有可能与黎明重合，但1996开始，郭富城在专辑上削弱了“舞曲”特色，追求做一个“实力派”，音乐上个性开始变得模糊，反而是黎明不断强化舞曲特色，最终成为“电音先驱”）
喜欢不按常理出牌的雷颂德有两大“宝贝”，一是吉他，一是电音。
香港乐坛的原创潮最早是从80年代末开始的，当时以达明一派、太极乐队和Beyond为代表的本土乐队兴起，带动了一批本地创作新锐冒尖。
作曲的有刘诺生、林慕德、黄尚伟，作词的有林夕、刘卓辉和陈少琪。这拨人，加上太极乐队的键盘手唐奕聪、留学归来的C.Y.Kong和黄霑力捧的得意门生雷颂德等，构成了1994年港乐“原创潮”的主力。而这批本土音乐人，也正好赶上了香港唱片业最好的时代，因为唱片销量长红，“钱”景一片光明，所以唱片公司也敢于放手启用年轻创作人。
多年前，我采访陈少琪的时候曾经问过一个问题，“您觉得哪个时代的香港乐坛更好？”陈少琪的回答是，“如果从创作人的角度来说，我觉得九十年代比较好，因为那个时候销售量和自由度呈正比。”
此外，香港“商业二台”（叱咤903）在1995年推动所谓“原创歌运动”，完全不播放“翻唱歌曲”，也从一定程度上推动了本土原创音乐的发展。（不过黄霑对此持保留态度，认为这是揠苗助长，详见黄霑的博士论文《粤语流行曲的发展与兴衰:香港流行音乐研究(1949-1997)》）
1991年的林海峰和葛民辉，两人1988年开始在“叱咤903”主持节目，以“软硬天师”著称，1990年代初，黄伟文加入“叱咤903”。三人都以自己的方式影响着香港乐坛（图片来自音乐图鉴，MusicBus出版）
不管怎么样，从1994年-1995年起，雷颂德等年轻音乐人有了更多施展才华的机会。
作为黄霑的得意门生，雷颂德借由电影配乐入行，在《青蛇》、《六指琴魔》和《东成西就》等影片的配乐中崭露头角，后来经人引荐，认识了时任华纳高层的黄柏高，开始做唱片。

1990年代早期的雷颂德、林夕和黄霑
《东成西就》里的插曲《哥仔靓》和《双飞燕》都是雷颂德编曲
喜欢不按常理出牌的雷颂德有两大“宝贝”，一是吉他，一是电音。
在还没有迷上电音舞曲之前，雷颂德最擅长的套路是吉他摇滚，他和冯德伦组成的二人乐队Dry把Oasis和Verve“抄”得惟妙惟肖的。1996-1998年期间，他给黎明、许志安和陈慧琳创作和制作了大量的“吉他流行曲”，吉他在编曲中扮演了非常重要的角色。
比如“金曲金奖”作品《情深说话未曾讲》和《只要为我爱一天》，拆解这两首歌的编曲，你会发现雷颂德对于原声吉他是多么的“热爱”。同期的作品，如许志安的《我的天我的歌》和陈慧琳的《谁愿放手》，也有着很鲜明的吉他伴奏。而在陈慧琳早年的两张专辑《醉迷情人》和《风花雪》中，吉他更是编曲里的绝对主角。
雷颂德对于“吉他音乐”的热爱还表现在把摇滚元素带入到主流歌曲创作中来。陈慧琳的《YeahYeahYeah》就是一首很典型的英伦摇滚作品，类似的作品还有郭富城的《强》和杨千嬅的《热血青年》。甚至，你会觉得这些作品的编曲比一些香港所谓乐队的作品更像“BandSound”，而雷颂德对于吉他的使用确实有自己独到之处。
电音也是雷颂德的“挚爱”，据说他早年在英国曾跟C.Y.Kong和莫文蔚组建过一支乐队，唱过传奇电音乐队PetShopBoys的歌。
左起：雷颂德、莫文蔚、C.Y.Kong

可能是因为在英国留学的关系，雷颂德早年作品在电音的使用上更偏向欧式，后来才逐渐转向“美式”。不过，在黎明1997年的电音专辑《LeonSound》之前，“电音”在雷颂德的作品里更多是“甜点”，吉他才是“主菜”。
“电音天王”的诞生
1998年，黎明转投新力唱片，从形象到曲风，都有很大的变化。
1997年，黎明与宝丽金（1998年，宝丽金与环球唱片合并，统一改称“环球唱片”）约满，跳槽到新力唱片香港分部。（“新力”为SONY的港台译法）跳槽前，黎明发行了在宝丽金时代的最后一张粤语专辑《LeonSound》。
《LeonSound》是一张“奇怪”的唱片。与《Perhaps》相比，仅有的两首慢歌在《LeonSound》已经完全变成了点缀，主角是各式各样的电音节拍，Techno、Trance、BigBeat、Drum’N’Bass、Trip-Hop……但是，《LeonSound》又不同于雷颂德后续的电音舞曲作品，不怎么“流行”。所以这张专辑在歌迷中也是评价两极化，喜欢的人认为这是黎明最好的专辑，不喜欢的人会直接告诉你“难听”。
可能是因为行将约满的关系，《LeonSound》并没有太多宣传，所以成为黎明销量最惨淡的一张专辑，内地引进版甚至没有CD。不过，这张专辑奠定了黎明转投新力后的基本方向：电音舞曲。
1998年，黎明发行了转投新力唱片后的第一张唱片《我这样爱你》（EP），从形象到曲风，都有很大的变化。形象上，黎明改走简约和时尚的风格，曲风上，雷颂德开始尝试美式的Urban舞曲和Hip-Hop，吉他音乐全部退隐。总之，在经过1996-1997年两年的摸索之后，黎明团队终于明确了“时尚天王”的方向，开始全力冲刺。

同年年底，黎明发行了加盟新力之后的第一张录音室大碟《如果可以再见你》，封面沿袭了上一张的简约时尚风格，曲风则全面转向“美式”——雷颂德曾说，自己喜欢英伦音乐的个性和美国音乐的节奏，如果说，《LeonSound》是前者，索尼时代的黎明就是后者。
《如果可以再见你》是雷颂德和黎明玩得最欢的一张专辑。除了情歌和舞曲，还以NON-STOP的方式穿插了阿卡贝拉（ACappella，无伴奏人声，也翻译成“清唱”）、黑人说唱和敲木鱼喃经等。而在舞曲上，既有美式Urban也有流行Techno。
1999年是黎明的“事业巅峰”，凭借同样主卖电音舞曲的《LeonNow》和《眼睛想旅行》，加上从上一年年底“畅销”到这一年年初的《如果可以再见你》，到1999年年底，黎明有三张专辑卖进了“年度十大”，并且包揽冠亚军。（如下图，媒体估算，仅供参考）
1999年底，黎明宣布不再领奖，开始淡出香港乐坛。但是，在大中华市场，黎明“电音天王”地位却是从2000年开始确立的，那一年，黎明发行了专辑《北京站》，主打歌《全日爱》攻陷各种“嗨场”，次年，黎明发行了新力时代的最后一张国语专辑《TheRedShoes》，不但留下了《看上她》等大嗨曲，还另外出了一张Remix版，黎明成为名副其实的“电音天王”。
左边是《TheRedShoes》专辑正式版，右边是混音版，因为这两个封面，黎明被网友戏称为“脚踩索尼的男人”

最后的“癫狂”
1999年开始，雷颂德的舞曲创作开始偏向旋律性强、节奏简单粗暴的“韩式Techno”。于是就有了《全日爱》和《花花宇宙》。
“黎明的《全日爱》，郑秀文的《眉飞色舞》，陈慧琳的《花花宇宙》…….在这些许多酒吧必放的HIGH曲声中，所有的人越来越疯狂……”在2002年的一篇暗访内地酒吧派对的文章中，我们看到这样的文字。
这三首歌和三位艺人，就是千禧年港乐舞曲风潮的代表。
这里面有个时代背景是，1996年前后，韩流全面来袭。H.O.T、J.T.L、酷龙、李贞贤等歌先后被华语歌手翻唱，也带热了大中华的舞曲市场。其中，又以翻唱酷龙等的韩国舞曲发家的徐怀钰（《飞起来》、《妙妙妙》、《怪兽》、《向前冲》）和翻唱李贞贤的郑秀文（《眉飞色舞》、《独家试唱》）最为突出。
受此影响，1999年开始，雷颂德的舞曲创作开始偏向旋律性强、节奏简单粗暴的“韩式Techno”。于是就有了《全日爱》和《花花宇宙》。
对比一下雷颂德1997年-2000年的舞曲创作，可以感受到一些比较明显的变化：
1997年的《旧约》（收录在专辑《LeonSound》）
1998年的《会客室》（收录在专辑《如果可以再见你》）
1999年的《眼睛想旅行）（收录在专辑《眼睛想旅行》）
2000年的《全日爱》（收录在专辑《北京站》）
千禧年前后，“港乐”更新换代。“四大天王”和王菲等逐渐淡出，陈奕迅、谢霆锋、陈慧琳、容祖儿、杨千嬅、梁咏琪和Twins等新生代先后上位。尤其是陈奕迅、谢霆锋、陈慧琳和容祖儿的亮眼表现，让人对港乐新一代充满期待。与此同时，谭咏麟和张国荣再战江湖，“四大天王”和郑秀文等“老前辈”继续发挥“余热”，许志安和梁汉文等厚积薄发，黄耀明、卢巧音和LMF等妙笔生花，于是，千禧年的港乐市场热闹非凡：黎明和陈慧琳的“电音”、陈奕迅的“K歌”、谢霆锋的“摇滚”、LMF的“说唱”、黄耀明的“另类”，构成了港乐最后的“癫狂”。
这真的是最后的“癫狂”。如黄霑的博士论文所说，1997年开始，港乐市场已经呈现衰败之势。“1997年本是唱片业二十年来市道最差的一年。但随着1998年亚洲金融风暴的影响，市道更进一步收缩至全年销售额只有6亿港元左右。和1995年的18亿比，只剩回三份之一。”（摘自黄霑的博士论文《粤语流行曲的发展与兴衰:香港流行音乐研究(1949-1997)》）

左起：谢霆锋、陈冠希、陈奕迅，那一年，这三位是公认的天王接班人
千禧年前后的港乐市场，表面上看起来热闹，但内里危机四伏。究其原因，黄霑总结为“行业短视，翻版猖狂；科技发达，水平低降；社会老化，歌迷年轻；别人文化，港曲无光；注重包装，不务正业；产品单一，乏善足陈。”
而2002年开始发生的一系列“意外事件”也可以说是港乐意想不到的“沉重打击”：2002年，当时的“天王接班人”谢霆锋陷入顶包门，一度暂别乐坛，回归后势头大减；2003年，再战江湖表现不俗的张国荣跳楼自杀，为香港娱乐圈蒙上了一层阴影；2004年，“张学友接班人”陈奕迅因为跟唱片公司翻脸，沉寂了一年半载；2008年，陈冠希和当时如日中天的Twins成员钟欣桐陷入“艳照门”，陈冠希和Twins音乐事业均陷入停滞；2010年，Twins成员蔡卓妍召开发布会承认“隐婚”并道歉……至此“千禧一代”只剩陈奕迅和容祖儿艰难支撑。

“霆锋在囚车内，脱下了领带，被锁上手镣，但他却跷起二郎腿，一派大少爷神态，却刻意用脚遮住手镣，对窗外的传媒冷笑。《苹果日报》图片”（摘自《忽然一周》）
2008年之后，真正打开大中华市场的港乐歌星，只有陈奕迅一人。莫文蔚虽然在国语市场表现突出，但早已放弃了粤语市场。（只是偶尔发行粤语唱片）
黎明的贡献
从音乐行业发展的角度来说，黎明最大的贡献在“创新意识”。
2002年，黎明发行新力时代的最后一张粤语专辑《Homework》，之后就基本淡出乐坛。虽然后续仍然在继续发行唱片，但更多是为了维持公司的运营——2004年，林建岳和黎明合资创办东亚唱片制作有限公司（AMUSIC），作为老板的黎明必然要身先士卒。
需要注意的是，东亚唱片制作有限公司（AMUSIC）和东亚唱片（集团）有限公司（EastAsiaMusic(Holdings)Ltd）是两家独立运营的公司。前者是林建岳和黎明合伙，由黎明亲自经营，后者是林建岳与刘德华合伙。早年曾传过刘德华和黎明争“东亚一哥”，其实是不了解两家公司的架构。
2008年，东亚唱片（制作）两位老板林建岳和黎明为旗下歌手杨千嬅庆功，杨千嬅也是当时东亚唱片（制作）旗下除老板黎明之外的最大牌歌手
从音乐行业发展的角度来说，黎明最大的贡献在“创新意识”。
黄霑在论文里曾批评港乐创作单一。应该说，雷颂德和黎明从专辑《Perhaps》（1996）开始的一系列尝试，对于丰富港乐曲风是非常有价值的。尤其是专辑《如果可以再见你》（1998），可谓香港乐坛历史上最时尚、最多元化、最具想象力的一次“流行音乐实验”。（个人认为这张专辑是雷颂德的巅峰之作）
作为艺人，黎明在1990年代末除了尝试各种新的音乐风格，还同时尝试各种新形式的MV，大量使用当时华语市场比较少有的CG动画和3D动画。《眼睛想旅行》和《看上她》等全动画MV，至今仍很少见。CG动画和真人结合的MV《全日爱》更是由黎明亲自指导。从这个角度说，黎明的想法确实比较超前。放在现在，正好能满足当前电音和Animation（动画）、Comic（漫画）、Game（游戏）、Novel（小说）大行其道的市场。
《进化Evolution(Non-StopRemix)》MV
作为老板，黎明的东亚唱片（制作）主要致力于捧新人，先后捧出了卫兰、卫诗、JW（王灝兒）和李治廷。也曾经签过陈小春和杨千嬅等知名歌手，另外，2010年，东亚唱片（制作）推出了一个叫“乐LOOP”的APP，黎明把旗下艺人的最新内容和作品都放到这个“全港首个无间息音乐娱乐共享FREEAPP”。（如下图）

尽管公司经营不算成功，艺人们悉数离开了黎明，不过，黎明能在唱片业最坏的时代坚持推新，努力值得赞赏。

黎明的形象或桀骜不驯、或温文尔雅、或潇洒干练、或单纯朴实，他对人物的演绎，总能在准确塑造人物外在形象的同时，散发出人物独特的气质，使荧幕形象立体而感人。黎明沉稳内敛的性格和与生俱来的贵族气质也使他在演艺事业上树立了自己独特的风格。
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